Raging Bull

Biografía especialmente lograda del boxeador extraordinariamente brutal Jake La Motta, que fue magistralmente interpretado por Robert De Niro. Boxeador en pos de encontrar el éxito; valiente, luchador, un auténtico "toro del Bronx". Sin embargo, su fuerte y excéntrica personalidad y su entorno acaban por convertir su vida en un continuo descenso hacia el fracaso. Los celos hacia su mujer es uno de los puntos clave del argumento, lo que le acaba sumiendo en una espiral de autodestrucción.

Está rodado en blanco y negro y esto me lleva rápidamente a familiarizarme con la época. Observo un contraste medio durante toda la película, que me da una gran naturalidad, excepto en las escenas de combate que se usa un contraste alto para reflejar de un modo más vivo la violencia y brutalidad de las tomas. En las escenas rodadas en el ring, observo primeros planos en los rostros de los boxeadores que me acerca a la fuerza y expresión de un boxeador. Jake LaMotta me aparece usualmente en contrapicado, y ésto le hace aún más protagonista de lo que estoy viendo, alguien especial y superior al resto. Para enseñarme la multitud y los espectadores de los combates se utilizan planos generales medios con tomas cortas que me transmite una sensación de caos. En las tomas grabadas fuera del ring, (la gran mayoría) abunda los primeros planos hacia el protagonista que de esta manera se me refleja de un modo muy eficaz, su incontrolable carácter y sus sucesivos cambios de estado anímicos.

Robert De Niro, una vez más, me regala una actuación titánica. Logra enfurecerme, logra que sea partícipe de su furia y de su cólera y le hace compadecerse de sus errores y fracasos. Logra todo lo que un gran actor debe lograr para dar una actuación perfecta.

Es una visión perfecta de la victoria y el fracaso y la delgada línea que hay entre uno y otro, que nos puede hacer pasar de estar en la cumbre a estar en el abismo.

Como ven, se los recomiendo.

Magnolia

El director Paul Thomas Anderson asimila la relación entre personas a una magnolia cuyos pétalos aparentemente son independientes pero que en realidad están relacionados entre sí mientras que siguen sujetos a la flor. Eso mismo sucede con las personas y sus relaciones. Cada uno lleva su vida pero es inevitable que la vida de uno influya en la del otro y se produzca una interacción entre personas. Todo lo que hacemos tiene consecuencias futuras.

Trata de los errores y la ira que escondemos, de la búsqueda en los de mas y dentro de cada uno de nosotros por encontrar la salida, que nos lleve a la felicidad no eterna, ya que esta aleja mucho de existir, cada personaje muy dentro de si busca la medicina para pacificar su espíritu, siendo esta posiblemente el perdón a los demás y a nosotros mismos.

Tres horas es la duración de esta pequeña joya del cine intimista que retrata la parte más oxidada de la sociedad americana con un dramatismo y un pulso tremendo. Las interpretaciones son tan demoledoras como las intensas escenas que inundan la cinta.

Bella y extraña película, si extraña…tengo que recomendarles!

Atraído por sus dos últimas películas, "This is England" y "Somers Town", me interesé en ver algún antecedente de este director Meadows que sin duda está llamando mucho mi atención.

Dead man’s shoes (2004)

No hay nada mejor que la sensación que te deja una película de la que no esperabas absolutamente nada y que, finalmente, resulta entretenerte, sorprenderte y emocionarte a partes iguales. "Dead Man's Shoes" ha conseguido esto sólo con una premisa sencilla. Leer la sinopsis de la película es ya más información de la debida para ponerse a observar la obra de Meadows, y sin duda, recomiendo verla sin saber apenas nada de ella. Sólo así la sorpresa se mantendrá como ha de ser.

The Treasure of the Sierra Madre narra las hazañas de un trío de hombres sin ningún recurso económico que se lanzan en la búsqueda de oro para poder enriquecerse y llevar un próspero futuro. A medida que van consiguiendo el oro, se hace patente por parte de uno del grupo la desconfianza y la ambición que le hará perder el control del bien y del mal. Totalmente dominado por la locura y el afán de conseguir más riquezas, no dudará en matar a cualquiera que se cruce en su camino, incluido a sus compañeros de fortuna. John Huston, director, compuso un excelente drama sobre la codicia humana. Partiendo de una historia sencilla me sumerge en un manto de desconfianza destapada con una intuición increíble, recurriendo a todos esos impulsos y voracidad que mostraría cualquier ser mínimamente codicioso ante lo que tienen nuestros protagonistas delante de sus narices, una voracidad resaltada gracias a la genial interpretación de Bogart dando vida a Dobbs, un tipo cuya codicia, de la que hablábamos antes, sería capaz de dejar atrás a cualquiera. Estoy ante unas de las mejores películas de aventuras y relatos de la codicia del ser humano de todos los tiempos. Deberían verlo.

Man in the chair

Muestra la sociedad americana desde ángulos muy diversos, que aunque ya son conocidos por todos, no llegan a convertirse en un tema común en esta película que explora de manera refrescante, dulce y honesta los intentos de un joven problemático de convertirse en director de cine con la ayuda de aquellos que hicieron posible la edad dorada de Hollywood. Es una sorprendente denuncia sobre la actitud de la sociedad hacia los viejos. En Estados Unidos y en todo el mundo los que dejan de ser productivos son dejados olvidados en los geriátricos o instituciones mentales, reservorios donde sobreviven como perros, por puro instinto. Pocas veces vi una denuncia tan clara y certera sobre que pasa, no solo con actores y técnicos retirados de la industria del cine, sino con muchísimos ancianos, que juntan óxido olvidados en un rincón. Una emotiva película que se los recomiendo.

It's a Mad, Mad, Mad, Mad World

Un accidente en una autopista californiana lleva a varias personas a iniciar una loca carrera cuya finalidad será llevarse una fortuna escondida en el parque Santa Rosita. Gente participara del recorrido y lo transformara en un desastroso y demente viaje, su paseo hacia la riqueza.

Con momentos desternillantes, va pasando la película a un ritmo que no deja respiro, para llegar a un final, que solamente podía ser así. Comedia frenética e hilarante, con una visión de la especie humana hasta cierto punto pesimista, pero que jamás volverá a ser mostrada con tanta gracia.


Un clásico de la comedia, no la pierdan que vale la pena visionarla.

Sunset Boulevard

El director Wilder me introduce sutilmente en la historia de un hombre que huyendo de la justicia se refugia en lo que parece ser un antiguo caserón abandonado. Por error el mayordomo de la casa la hace pasar diciéndole que la señora le espera. Así este joven escritor de guiones acabará cayendo en las garras de una retirada actriz de cine mudo que quedó fuera de la industria por la incapacidad de adaptarse al cine sonoro.

Es un drama autocrítico sobre la celebridad en el mundo del cine. Gloria Swanson interpreta magistralmente a una actriz caída incapaz de afrontar la realidad de cambio en el cine así como su propia madurez, una persona aislada y fantasiosa que sólo vive del recuerdo del pasado que no volverá. Esta película representa la infelicidad de todas aquellas personas que jamás logran ser felices porque jamás son capaces de valorar el presente. Es el retrato de la enfermedad de la fama y sus secuelas. Como ven, es un excelente análisis.

William Holden tiene su propia historia de error y fracaso...un guionista ambicioso y deslumbrado por lo que nunca pudo tener, que ve en la manipulación la única manera de triunfar. Podría decirse que su sinceridad y honestidad va inversamente proporcional a la de Norma Desmon (Gloria Swanson). Un cruce de caminos donde dos individuos caminaban en direcciones opuestas, pero que llegados al encuentro, se necesitan y quedan unidos por su propio fracaso profesional. Un excelente análisis

Es conocer la trastienda del mundo del cine en una época en la que el constante cambio era el protagonista. Otro para recomendarles!

Mr. Smith Goes To Washington

Ante una nueva vacante para ocupar en el congreso de Washington, un grupo de políticos totalmente corruptos, cegados por su ambición, deciden mandar a un joven inexperto e idealista senador para ocupar el lugar y así poder manejarle de acuerdo con sus propios intereses. El fuerte idealismo y perseverancia del senador meterá a todo el grupo político en una situación de lo más comprometedora, y no dudarán en desquitarse de ella metiendo a todo el sistema en contra del honorable e idealista senador para hundir su carrera.

Habla sobre la corrupción enfrentada con la honestidad, muestra como los corruptos se valen de cualquier engaño para lograr sus propósitos, y como gente con trayectoria intachable, de repente se vende y cae en ese circulo lamentable y corrompido; pero, también nos muestra que hay gente honesta y valerosa que nunca se venderá ni caerá en lo más bajo, y como esa gente buena aunque no tenga los recursos que tienen los corruptos, poseen algo mas importante que es el coraje y las ganas de superar cualquier obstáculo.

Muchas veces en nuestra vida se nos plantea el eterno dilema: venderse o luchar contra corriente. Muchísima gente decide venderse y muchas veces lo ven como algo normal, puesto que asocian normal a lo que la mayor parte del mundo hace y lo que menos problemas pueden ocasionar. Pero que lo haga mucha gente no significa que sea lo correcto. Es verdad que en nuestro mundo, existe la deshonestidad, pero siempre habrá personas dispuestas a combatirlas, y por ese puñado de personas, vale la pena seguir trabajando y tratando de aportar tu granito y así tener un mejor lugar para vivir

¿Que más puedo decirles? tienen que verla, aprovecharla, y recordar lo que es el honor como principio de vida

Mientras nos incorporamos a nuestras butacas, las luces se van apagando y el proyector empieza a rodar para proyectar un cortometraje de Pixar. En medio de un gran entusiasmo y tras aparecer brevemente el castillo de Disney y el logo de Pixar, se da paso después a unas simpáticas cigüeñas y a unas esponjosas nubes rosas. Aún con el pequeño nudo en la garganta que nos ha regalado el corto, un golpe a nuestra infancia nos atraviesa el corazón con el famoso castillo de Disney. Después de diez minutos preparando el terreno, 'Up' cuenta con uno de los mejores comienzos de la historia del cine, y no es broma. Tras ver la simpática presentación de Carl y su esposa, llegan unos minutos realmente mágicos, absorbentes y conmovedores, es decir, una jodida obra maestra que harán de vuestros ojos unas piscinas olímpicas. Y la mejor cualidad de 'Up' es saber diferenciar claramente los momentos de comedia y de drama, es decir, hay un control total sobre cuándo hay que reír y cuándo llorar (sí, sí, llorar). Con un nivel de animación exquisito, con unos personajes entrañables, Pixar toca el cielo poniendo toda la carne dramática en el asador y firmando creo que su mejor largometraje -teniendo muchísimo respeto al resto-. Sólo les digo que pagaría de nuevo la entrada por volver a sumergirme dentro de mi butaca y presenciar ese primer cuarto de hora.

Esta película sea para todo tipo de público; me explico: desde los ojos de un niño, lo que le sorprenderán serán los colores, los personajes y las aventuras, pero desde los ojos de un adulto la película tiene un trasfondo serio, real, que evoca ese punto de nuestra vida en el que dejamos de ser niños (abandonamos la imaginación y los sueños) y comenzamos a ser adultos con lo que todo eso conlleva (nos centramos en las preocupaciones y en la rutina del día a día), y no tendría porqué ser así. ¿Porqué abandonar nuestros sueños? Indescriptible las emociones que te hace sentir y la de cuestiones que hace plantearte, de tal forma que sales de la sala diferente, no indiferente, planteándote si aún estás a tiempo de volver a buscar tus sueños y..., ¿porqué no? Quizá intentar cumplirlos.

Ponyo on the Cliff by the Sea se centra en la historia de amor entre Sasuke, un niño de cinco años y una princesa pez, Ponyo, quien ansia convertirse en un ser humano. Dueño y señor absoluto de un universo propio, donde los monstruos pueden ser tiernos y agradables, y en el que siempre la magia desborda y te atrapa, Miyazaki retoma sus viejas armas y nos vuelve a regalar un sueño repleto de colores preciosos, y personajes del todo entrañables. La cara amable del ser humano vuelve a mostrarse, en fotogramas que derrochan belleza y arte, y la ternura y la simpatía se desbordan impactando precisamente en las zonas más esponjosas del corazón. La idea de la película es hacernos recordar que tenemos un niño dentro de nosotros y que bajo cualquier circunstancia, en nuestro caso seamos viejos, adultos o jóvenes todos tenemos la necesidad de recordarlo y sacarlo de ves en cuando. Una preciosa película con una cálida y tierna historia. Ah si, se los recomiendo.

PU-239 cuenta la historia del trabajador de una planta nuclear rusa que, tras ser expuesto a una radiación mortal al intentar detener un desastre en la misma, en lugar de compensarlo, es suspendido de su puesto sin obtener siquiera una justa indemnización. Debido a ello, a unos días de morir por tener mil rems (mortal de necesidad) en su nivel de radiación, y en su desesperación por brindarle a su esposa y a su pequeño hijo una provisión para su supervivencia una vez que él les falte, roba de manera impulsiva una pequeña cantidad, unos cien gramos de PU-239 (plutonio para armamento) y se lanza a la capital del país, Moscú, en un intento desesperado por realizar una venta rápida del mismo. Y por otra parte, está tres violentos mafiosos de poca monta que disponen de setenta y dos horas para conseguir seis mil dólares, multa que ha puesto el mafioso del barrio, en castigo al error que han cometido (confundieron el número cincuenta y uno de una dirección con el cincuenta y siete) incendiando una ferretería tras extorsionar a su dueño, negocio que ya estaba bajo la protección del mafioso. Como consecuencia de un encuentro fortuito en un mercado al aire libre, donde el trabajador había acudido con un letrero escrito en un cartón: “PU-239” para vender su mercancía y el más cabal de los mafiosos para buscar dinero para pagar al violento jefe mafioso, lo que hasta este momento había captado poco a poco mi atención, se convierte en una divertida, dramática, emotiva y absorbente historia que me mantiene pegado al sofá hasta el final. La película es una toda una muy recomendable y desapercibida joyita.

Man on Wire es la maravillosa aventura épica de Philippe Petit, de cómo consiguió infiltrarse en las Torres Gemelas de Nueva York, instalar un cable de un edificio al otro y cruzarlo haciendo funambulismo. Estructurado de un modo que engancha desde el minuto uno, contado a base de testimonios de los protagonistas, imágenes de grabaciones caseras y dramatizaciones de lo que ocurrió en las torres. Es el relato de un hombre y su sueño, de cómo su carisma atrapa en sus redes a un grupo de personas para que sean sus ayudantes en sus andanzas por el alambre, un carisma que transmite en el documental, me traslada su pasión por como él dice, hacer lo prohibido sin hacer daño a nadie. El paseo por las nubes entre las Torres tarda setenta y cinco minutos, setenta y cinco minutos que la cinta que pasan en un rato, en este tiempo me narra la gestación de un sueño, siendo pasos previos el paseo entre las torres de Notre Dame de París y el puente de la bahía de Sydney, hasta llegar a la preparación del sueño, descrito como si de una película de espías se tratara, me envuelve en su trama alcanzando una tensión brillante, siendo su esperado clímax un regalo para la vista, de una belleza rara veces vista en una pantalla, un paseo por las nubes de Manhattan que irradia la alegría por vivir, la confirmación de que el hombre ha nacido para realizar utopías. Es todo esto lo que intenta mostrar el documental, e intenta enseñarme que en la vida humana no todo tiene un porqué, esa es la diferencia con los animales en los que todos los porqués son instinto, y esa es su grandeza: Que nosotros somos capaces de soñar y luchar por ese sueño. Documental recomendable!

Surveillance es a través de las declaraciones de una niña y de una drogadicta, que están siendo interrogadas por unos agentes del FBI, en una comisaría situada en un pueblo en mitad de ninguna parte, ocupada por unos descerebrados policías, que también van aportando su particular versión de los hechos, vamos conociendo a base de continuos flashbacks, (al mismo tiempo que dichos agentes), las circunstancias que desembocaron en un sangriento hecho, del que solo se nos muestra un fugaz sospecha al comienzo del film. Magnífica película con toques de humor negro, que logra mantener mi atención según van encajando todas las piezas, a medida que se nos va revelando el rompecabezas, abrimos los ojos como platos quedando completamente subyugados ante la montaña rusa de sensaciones que nos regala esta digna hija de su padre, el gran David Lynch, en el acojonante final. Absolutamente recomendable.

The King of Kong: A Fistful of Quarters es un documental sobre el mundo de los videojuegos. Muestra la rivalidad entre un empresario y un maestro de la escuela secundaria, todo para romper el récord mundial del clásico videojuego Donkey Kong. Es un documental imprescindible para conocer este diverso mundo construido por la globalización que, paradójicamente, confecciona múltiples microuniversos excluyentes donde lo postmoderno es ridículo o interesante, pero siempre curioso, porque la mayor característica de esta sociedad es que hasta un detalle ínfimo puede resultar en otra parte del mundo el núcleo de una o varias vidas.

Johnny Mad Dog es acerca de un escuadrón de niños-soldados en algún país africano, que se revuelve en una especie de guerra civil entre el gobierno y una facción que ha decidido derrocarlo. Dentro de todo este salvaje caos, un grupo de niños liderados por un quinceañero de nombre Mad Dog, se dedican a cumplir misiones para su general, un hombre que se encarga de reclutar infantes, para luego manipularlos y hacerles creer que al utilizar una serie de amuletos se convierten en seres a prueba de balas. Me someto a una sobredosis de violaciones, muertes y violencia absurda. Esto, reuniendo a que no hay ni el más mínimo intento por tratar de desarrollar a profundidad el aspecto psíquico de los personajes, genera un filme que se reduce a la contemplación de un grupo de animales que ultraja y asesina al azar a otro grupo de animales. Nada más.

Speak, película producida por la cadena de televisión Showtime, es sobre Melinda, una adolescente traumatizada por un hecho que no quiere contar a nadie, ha dejado de hablar. Es increíble como Melinda se aísla de todo y no puede y no sabe cómo salir. La vida alegre de Melinda se estropea por el deseo y toda acción tiene su consecuencia. Se transforma a lo largo del año escolar, el rechazo de sus amigas, los flashback a la noche de la fiesta, la relación de la chica con los padres y como todo se entrelaza con la clase de arte y la creación del árbol hace que me meta mucho en la historia. Y sobre todo, Kristen Stewart borda su papel, quitando la voz en off, se pasa sin hablar casi toda la película, pero en todo momento puedes sentir como se siente el personaje de Melinda en cada situación. Es dramáticamente escalofriante.

The Great Buck Howards es sobre Gable, un soñador estudiante de derecho que al no sentirse realizado, deja los estudios y entra a trabajar como ayudante del ilusionista Buck Howard, conocido en el mundo del show business. Con un magnifico John Malkovich dota a su personaje de una humanidad totalmente creíble, estoy ante un homenaje al mundo del show business y a las personas encargadas de que la función no decaiga y que la fiesta continúe. Visionarla...vale la pena.

State of Play, remake de la exitosa miniserie de la televisión británica de la BBC, narra cómo un congresista y un reportero se ven envueltos en un caso de brutales asesinatos que, aparentemente, no tienen relación entre sí. Es un excelente e impresionante thriller político con un espectacular Russell Crowe al frente de un espectacular reparto en el que todos y cada uno de los actores sabe desenvolverse con eficacia en todo momento y que me consigue adentrarme en el mundo de los medios de comunicación a través de un periodista que todavía cree en la honestidad. Se trata de la declaración de que todo aquello que no es noticia no existe, que aquello que es noticia se convierte en verdad, e incluso de que la mentira que es noticia puede hacerse verdad a los ojos del público. En definitiva, el poder de la prensa, en este caso de la mano de la política. Se los recomiendo.

Stop Making Sense, concierto-documental de los Talking Heads, tiene la cualidad de atraparme desde el principio gracias a una soberbia introducción/interpretación del clásico Psycho Killer y de no soltarte hasta el clímax final, ese en el que el público ya ha abandonado sus asientos y está bailando cada una de las piezas del grupo. Del concierto, me quedo con la alucinante energía que brota de la voz de David Byrne, un cantante al borde del colapso que en esta película alcanzó su cumbre, tanto a nivel vocal como visual (sus bailes, carreras, coreografías y miradas son tremendos ejemplos de una puesta en escena ejemplar). Con todo, la realización de Johnatan Demme es perfecta y ayuda a disfrutar aún más de este cancionero irrepetible, respetando la música del grupo como nadie lo ha hecho nunca y dando el protagonismo siempre al artista, no a los encuadres. Una delicia, una delicia.

The Hangover, lejos de ser la típica comedia americana de despedida de soltero con escenas repletas de señoritas enseñando pechos y de hombres salidos emborrachándose, renueva esta clase de películas con un original desarrollo de la acción. No veo a los protagonistas borrachos y desfasando, sino que lo observo destrozados por una resaca que les ha sumido en una total amnesia. Voy descubriendo a la par que los protagonistas todo lo que ha ocurrido, y por qué han perdido al novio durante la noche. Quedé realmente satisfecho y sorprendido. Un acierto que recomiendo al que quiera pasar un buen rato.

Down by Law

El autor de la película, Jarmusch, trata de marcar la distancia que separa el sueño americano de la realidad cotidiana. Zack y Jack son engañados por policías corruptos, son castigados arbitrariamente con sanciones inhumanas, han de cruzar ciénagas plagadas de serpientes y caimanes, han de huir de una banda de perros. Ambos, que se llevan mal, se enzarzan en disputas frecuentes y en ocasiones llegan a las manos, encarnan la figura del bribón acostumbrado a sobrevivir sin esperanza. Roberto es el cómico inocente, optimista, irónico, sencillo y abierto, que logra tejer entre Zack, Jack y él una trama de amistad, confianza y complicidad. Llena los silencios recitando en italiano poemas de Walt Whitman y Robert Frost, grandes poetas norteamericanos. Alimenta el diálogo con elementos de esperanza e imaginación (pinta una ventana en la pared de la celda). Para Jarmush, el grupo es el instrumento que permite salir adelante y ser feliz, mientras el individualismo mata el espíritu y empobrece la imaginación. La obra es una fábula amarga, pero hermosa y emocionante.

Somers Town es cine social británico, pero alejado del tradicional cine social británico. Todo es mucho más simple. , una historia sencilla, bien contada en la que forma parte importante el color, sin ahondar en lo dramático de la crónica social, pero mostrándome en todo momento; la vida de estos dos jóvenes con familias desestructuradas, con un presente poco ilusionante y un futuro que no existe: la capacidad de estos adolescentes de diferente nacionalidad de compartir sus vidas, sus tiempos, sus juegos, sus pequeños trabajos e ilusiones, incluso la mujer a la que aman. Tras visionarla, tengo la certeza de que he visto una bonita historia que ya raramente encuentro en las películas, dejando hablar más a mis sentimientos que a mi cabeza, me digo que bonita!

“Nada es original. Robá de dónde sea que encuentres inspiración o alimente tu imaginación. Devorá viejas películas, nuevas películas, música, libros, pinturas, fotografías, poemas, sueños, afiches callejeros, árboles, nubes, agua, luz y sombras. Robá solamente aquellas cosas que le hablen directo a tu corazón. Si hacés esto, tu trabajo (y tu robo) será auténtico.

La autenticidad es invalorable; la originalidad no existe. Y no te preocupes en ocultar tu robo. Celebralo si te gusta!. En todo caso, siempre recordá lo que Jean - Luc Godard decía: ” No es de dónde tomamos las cosas. Lo que importa es hacia dónde las llevamos”

Jim Jarmusch

Permanent Vacation es sobre la diferente búsqueda existencial de Allie, un joven trastornado, que deambula por los suburbios de Nueva York. En su extraño recorrido, se encuentra con diversos personajes, entre ellos su propia madre, encerrada en un manicomio, cuyo comportamiento -aún más insólito que el de Allie- es el resultado de la alienación de la gran ciudad, de la marginación o de la locura. Gracias al contraste de personalidades, Jarmusch consigue que yo llegue a entender la forma de proceder de Allie; y casi me parezca normal. Para mi…vuelvo a repetir, para mi, es una ópera prima de Jarmusch, es el más grande del cine independiente, en la que encuentro toda la frescura de sus siguientes películas. Lo interesante de la película no es su aspecto técnico, al fin y al cabo, es un proyecto universitario. Una cinta experimental más propia de un corto, aunque su duración corresponda a un largometraje, realizada con poquísimo dinero y que resulta muy interesante. Lo que realmente me atrae de la película es su capacidad para contarme una historia, sin dirección, sin lógica y sin un auténtico final, y que al acabar me deje con la sensación de que tiene todo el sentido del mundo y no hace falta nada más. Ahí es donde reside la magia, en no contarme nada, y parecer que me lo han contado todo.

Stranger Than Paradise, segundo largometraje del gran Jim Jarmusch, cuenta la llegada de una joven húngara a Norteamérica, la cual acompañada de su primo y de un amigo de éste, pasará por distintas aventuras y desventuras. Desarrolla y explora los detalles más simples que afectan la vida de las personas. Como si la historia no fuera la historia de los hechos que ocurren sino del intermedio entre hecho y hecho, la historia de los detalles de un momento cualquiera. Es narrativa propia de Jarmusch, es decir narrativa obtusa. No hay más planos que los necesarios, y no hay planos completamente necesarios. Todo podría cambiar y la historia no cambiaría. Como si el lenguaje cinematográfico diera la posibilidad de observar momentos que, sublimes tan sólo en la intimidad, puedan darnos placer sabiendo aún sólo dan placer cuando los hacemos nosotros. La película es en blanco y negro para poder contar absolutamente todo, olvidándose del poder de los colores y sus cambios. Imágenes capturadas de momentos indiferentes con una suma de elementos, las tomas largas dan tiempo a observar los pocos elementos y sobra el tiempo para pensar y preguntarse: ¿que mierda está pasando realmente? Es esa manía por la vulgaridad de los hechos y el azar que me hacen amar por completo a Jarmusch. La película implica observar una serie de hechos que en su conjunto nada muestran y dónde se aprecia que lo importante no es lo que esté pasando sino lo que estemos viendo, lo que vamos a sentir si olvidamos la narrativa y el lenguaje usual, si observamos atentamente el lenguaje del lenguaje. Realmente es una obra hipnótica.


Posdata: en realidad, todas las obras de Jarmusch lo son.

Clean, Shaven es una película distinta, un drama psicológico sobre un tipo desequilibrado al que todavía no conozco de nada, observa como una pelota se estrella en la ventana de su coche (más bien robado por el tipo), y una niña le observa a través del cristal. Acto seguido, una secuencia de planos que esconden gritos ahogados, me sumerge en el que podría resultar el más terrorífico de los horrores, sin mostrar nada, y causando total incertidumbre. A partir de ahí, juega sus demás cartas sin prisa pero sin pausa, otorga señas sobre el tipo Peter: los gestos de Peter, que son aclaratorios y ayudan a obtener una nueva concepción sobre él, como por ejemplo el espejo girado en el dormitorio, el tic tic siempre que sus manos entran en acción, los cortes que podrían intuir un principio de proceso autodestructivo, las intervenciones justas de nuevos caracteres, que son como una verdadera puñalada, resaltando información, la cámara descubre, con constancia, nuevos elementos. Por mantenerme en vilo de ese modo, y acercarme así al temor de Peter, con tan pulso, y siguiendo un relato que realmente me estremece, sólo merece una gran ovación, y no únicamente por el hecho de que Peter Greene traslade a la perfección su papel, con un enorme trazo y un pulso brutal, ni porque esa conclusión esté predestinada a resultar dolorosa, sino porque todo lo que se ha hecho concentrarse anteriormente en pantalla, hace que Clean, Shaven dé como resultado una película demoledora, de esos que incomodan y dejan un mal cuerpo no te puedes quitar de encima con facilidad. Lo que si, a través de esta con un resplandor de fascinación, los que piensen verla, estarán sometidos a un viaje oscuro en la mente del hombre esquizofrénico, eso realmente es una de las películas donde es mejor no saber lo que está recibiendo y sólo en tener que abrazar a ustedes para el viaje. Eso si, experimentaran sensaciones, que padecerán alucinaciones, paranoia, gran ansiedad y disociación, entre otros muchos síntomas, para llegar a comprender ese estado.

Being There cuenta una historia de lo absurdo: un hombre niño, probablemente con cierto grado de subnormalidad, que se ha pasado toda su vida protegido y tratado como lo que da síntomas de ser, sin salir apenas de su casa, viendo muchísima televisión y cuidando de su pequeño jardín, de repente se ve solo en la vida, sin su protector y obligado a abandonar el hogar. La propuesta llevada a cabo por el director Hal Ashby en la película es bastante interesante y controvertida, esto debido a que por medio de una sátira se ríe de varios de nuestros principios, o de los que decimos hipócritamente tener, es una burla constante de cada uno de nuestros dioses de papel, como lo son el dinero y la televisión y esto solo por citar un ejemplo aplicable a la película. Es bastante dura la burla que se realiza sobre la influencia que puede llegar a tener en una persona un medio de comunicación como por ejemplo la televisión, está como medio masivo de transmisión de cultura y conocimientos necesarios para descubrir exitosamente en el mundo exterior o sociedad de mercado , mediante un simple aparto receptor de televisión y en la comodidad de nuestro hogar, realizando las labores rutinarias de cualquier casa , podemos acceder a todo un mundo de conocimiento y reglas de convivencia de un determinado grupo o sociedad. El control se dedica a entretener a la mayoría de las familias con un mejor pasar económicos, que otros más desvalidos, siguiendo esta lógica Ashby logra realizar una excelente y certera profecía sobre los efectos de la televisión en nuestra sociedad de hoy. Otra tema bastante polémica que se trata en el filme es el de la incomprensión o de la sobreinterpretación, temas ambos que se abordan de forma grotesca y casi irritante para el ciudadano común u hombre ordinario referidos en algunos textos de filosofía. Recomendable.

A Thousand Years of Good Prayers cuenta el viaje que hace un hombre mayor chino a Estados Unidos, para visitar a su recién divorciada hija y acompañarla en esos momentos. Descubre un complejo mundo que en nada tiene que ver con la tranquila y anodina existencia que vivía en su país natal. Divorcios, familias desunidas, rotas e incluso inexistentes, y sobre todo incomunicación, es lo que se encuentra este hombre sencillo, perplejo ante las grandes e innecesarios que impone la vida occidental para ser feliz, cuando quizás lo más fácil es encontrar la plenitud en las cosas más pequeñas. Esta pequeña maravilla funciona con la exactitud de esas verdades universales, aquellas que todos sabemos pero que descubrimos súbitamente un día de la manera más insospechada, dando de golpe sentido a toda nuestra vida. Wang tiene la habilidad de encontrar un tono tan inexpresivo y distante como el de su personaje principal, observador pasivo de todo lo que le rodea y que intenta integrar esta nueva realidad a su vida. Vale la pena visionarla.

Old Joy es la historia de dos viejos amigos que procuran conservar un vínculo que está condenado a desaparecer. Uno de ellos lleva una vida tranquila y acomodada con su pareja, una casa, a punto de tener un hijo, relacionándose con sus vecinos, y no impide restarle importancia frente a su amigo, como si hubiese traicionado viejos principios que ambos habían establecido juntos en otro tiempo. Del mismo modo, adopta la faceta opuesta frente a su pareja, dándole a entender que apenas existe vínculo ya con su amigo y que en absoluto añora nada fuera de su vida en familia. El otro tan sólo aspira a aparcar la soledad y la miseria en la que está sumido por un par de días. Como si la vuelta a otros tiempos junto a su mejor amigo fuese la única forma que le queda de seguir adelante. La elegancia de esta película reside en lo interior que llega este planteamiento tan sencillo a pesar de que sus diálogos están muy medidos y en ningún momento abordan el tema. Éste se aborda a través de los silencios, de las miradas, los roces, el compartir la agradable sensación de un baño caliente uno al lado del otro, siendo una perra y el que visiona la película los únicos confidentes. Ambos se encuentran en tiempo muerto, una pausa en sus vidas, pues dentro de ellas y de la ciudad ya no pueden hacerlo. Tan magnífica, con una fantástica fotografía fija que hace agradables los tiempos muertos.